10月18日，第十二届乌镇戏剧节的小镇对话现场，饶晓志导演与演员陈明昊、尹昉、杨超越围坐一堂，以“舞台银屏，双向奔赴，多重收获”为主题展开了一场轻松又深刻的对谈。从戏剧新人的舞台初体验，到资深创作者对舞台与银屏两种表演形式的比较和思考，还有AI时代戏剧的独特价值，四位嘉宾真诚分享自己的经历和感受。

陈明昊、尹昉、杨超越、饶晓志（从左至右）在乌镇戏剧节参加小镇对话

戏剧新人收获意外的自由

作为嘉宾中最年轻的“戏剧新人”，杨超越的舞台初体验成为开场焦点。去年她因饶晓志导演邀约加盟话剧《你好，疯子》，这位习惯了影视镜头的演员，第一次感受到“从唱变成说”的差异——舞台表演的连贯性与重复性，让她在不同场次的同一剧情节点，触摸到表演的多元可能。“影视拍摄会暂停，但舞台上的每一次重复都有新感受，这就是它的魅力。”

谈及初登舞台的压力，杨超越直言“每天上场都怕卡词”，曾有一次“心里咯噔一下”，却凭着临场反应“不表现出来”。而这段经历也让她收获了意外的自由：“影视镜头里做动作会被说‘抢戏’，动作幅度、演员站位都有限制，但舞台上没有这些束缚，我更敢调动肢体了。”从被动等待剧情“按开关”，到主动寻找身体与角色的连接，舞台成为她突破表演边界的新出口，在看完乌镇戏剧节开幕大戏《人类之城》中德国女演员酣畅淋漓的独角戏之后，她甚至表示：“也想试试一个人在台上‘发疯’，突破自己的极限。”

杨超越畅谈“戏剧新人”体验

舞台练“根”，银屏练“准”

对于陈明昊、尹昉、饶晓志三位“双栖”创作者而言，舞台与银屏的表演差异，从来不是“技巧优劣”的二元对立，而是有着“生长土壤”与“呈现逻辑”的本质区别。

陈明昊用“鲜活的生命体”比喻演员：“表演不是技巧，是身体直接地表达。舞台和影视是不同土壤里长出来的东西，观众看到的不是道理或故事，而是感受。”他以自身经历举例，影视拍摄常聚焦“上半身表演”，甚至“拍聊天的戏时，可以下半身盖着军大衣，只演上半身”，但舞台上“观众的镜头由自己决定”，强调身体整体的表达力。

陈明昊和尹昉分析影视和戏剧表演差异

舞者出身的尹昉，认为舞台对身体的开发让他在影视中更懂得“挖掘局限”：“从小对身体的认知，让我知道角色的呈现往往需要暴露弱点，而身体是所有表达的起点。”他从“载体与本质”的角度切入：“舞台的‘在场性’是现场的呼吸与互动，影视则通过剪辑二次呈现。”舞台排练是“不断试错、寻找可能性”，而影视拍摄需要“快速进入状态，更直接地抵达目的”。

杨超越表示在舞台上找到了影视表演的“能量补充”：“舞台上的肢体放开后，再回到影视镜头前，我更清楚如何‘收放自如’，不再害怕动作‘抢戏’，而是懂得用身体传递情绪。”

陈明昊的总结更为直白：“影视是工业流程，需要清晰的目标和高效的合作；戏剧是手工作坊，允许未知与探索。演影视时盼着收工，演戏剧时等着‘找到感觉’——这两种状态让演员始终保持对表演的新鲜感。”

饶晓志作为戏剧和影视双栖导演，更能体会两种创作的不同快感：“戏剧导演在控台后感受全场的笑声与呼吸，那种即时性的节奏共鸣，和电影后期剪辑时的精细调整，是完全不同的满足。”

饶晓志作为戏剧和影视双栖导演分享体会

AI时代，用戏剧的“在场性”抵抗虚拟

当对话谈及AI对表演行业的影响，四位嘉宾给出了一致的乐观——戏剧的“在场性”，是AI难以替代的核心。

尹昉提到此前在国际舞蹈节的讨论：“AI能替代电影剪辑、作曲、设计，但剧场的现场发生、人与人的面对面互动，很难被数字化和算法渗透。这不是戏剧的‘落后’，而是守住了人类实体存在的底线。”

陈明昊认为：“世界本来就是新事物替代旧事物，但戏剧的本质是‘人站在舞台上，让时间从身体经过’，这种最朴素的存在方式，AI复制不了。”

杨超越笑言：“如果AI真那么厉害，我就回去干活。”

饶晓志则点出关键：“AI让我们更懂得‘何为人’，而戏剧一直在讨论人本身——当屏幕无处不在，剧场里人与人的汇聚，反而更显珍贵。”

陈明昊、尹昉、杨超越、饶晓志（从左至右）在乌镇戏剧节参加小镇对话

对话最后，面对观众关于“青年戏剧人如何坚持”“新手该看什么戏”的提问，嘉宾们都给予了真诚的回答。杨超越说“能坚持热爱的事很幸福，热爱的样子值得被看见”；尹昉直言“青年人不需要建议，要自己试错，错了就改，没错就一条路走到黑”；陈明昊则强调“戏剧是提问题，不是给答案，能让观众产生思考的，就是好戏”。

这场关于舞台与银屏的讨论，最终指向的也不是表演形式的分野，而是对“人”的探索——无论是在舞台上释放肢体，还是在镜头前捕捉微表情，表演的本质永远是“真诚”，而双向奔赴的意义，就是在不同的载体里，始终保持对艺术的热爱与好奇。

来源：北京日报客户端

记者：王润